Архивы Искусство и культура

И ещё о павлинах…

В продолжение поста Андрея Федотова. Но только одного из векторов, где о павлинах.

У меня тоже был пост, который назывался «О людях и павлинах». Как и тогда, когда писала о людях-павлинах, «фраза, мысль , мелькнувшая в тексте, не даёт покоя. Требует, кричит: «Остановись, перечитай! Это важно!»

В повести А.И. Куприна с этой птицей связана мысль, что «у павлина ничего нет, кроме внешней красоты. Голос у него раздирающий, противный, а сам он глуп, напыщен, труслив и мнителен» Так говорит героиня повести, а герой впоследствии понимает, что это он был «глуп, напыщен, труслив и мнителен», потому что не понял и не оценил искренности героини: «Милый мой, любимый Мишика, мой славный бурый медведь! Я от всей души, от всего преданного сердца повторяю слова испанского гостеприимства. Этот дом твой, и все, что в нем, – твое: и павлин твой, и я твоя, и все мое время – твое, и все мои заботы – о тебе… Знаешь ли, теперь мне все чаще кажется, будто бы я всю жизнь искала только тебя, только тебя одного и наконец нашла…»

Великая сила искусства. Если написано талантливо, веришь и автору, и герою беспрекословно. Как не поверить: раз существует мнение великого писателя, что павлин –глупая бесталанная птица. Вот и в китайской поэзии есть антитеза – павлин и соловей. Слышали ведь, наверное, соловья – этого певца утренней и вечерней зари, восхищались его трелями… А видели ли его, похожего на невзрачного воробышка?

Казалось, ничто не изменит моего мнения о павлине, даже совет залепить уши воском. Хотя, да – сомнения закрались и… рассеялись , благодаря художнице-авангардистке Наталье Сергеевне Гончаровой.

О Наталье Гончаровой впервые услышала от Аглаи Кузнецовой, исследователя жизни и творчества А.С. Пушкина и его ближайшего окружения. Художница в родстве с поэтом через Натали Гончарову. Позднее, когда это имя всплыло в связи с именем Маяковского, удивилась тому, как действительно тесен мир. Особенно мир кубофутуристов 🙂

Но с работами Натальи Гончаровой познакомилась только сейчас, благодаря посту Андрея Федотова.

Вот мысль, которая заставила остановиться, перечитать всё и о художнице и о её картинах: «Символизм павлина ассоциируется с теми древними синкретическими культурами, которые так полюбила художница». А именно: в христианстве павлин считался образом веры в бессмертие и воскресение, а его оперение из «тысячи глаз» указывало на всеведение.

На Востоке павлин являлся выражением души, которая из принципов единства черпала свою силу.

В Китае многоцветие оперения символизирует красоту мира, а в исламе – это символ Вселенной.

Павлин может восприниматься и как знак единства Бытия.

Как не изменить своего мнения, да простит меня Куприн, если покоя не дают и мои восточные корни, и «окно, обращённое на восток», и мысль, что на Востоке «павлин являлся выражением души, которая из принципов единства черпала свою силу».

Вот только, пожалуй, неизменной оставлю свою точку зрения на красоту внешнюю и внутреннюю: «Как часто за внешней красотой человека нет ничего кроме самовлюблённости, самомнения, непорядочности – всего того, что мы отмечаем знаком «минус». И напротив: человек, не обладающий безукоризненной внешностью, оказывается прекраснее всех красавцев вместе взятых.»

И как тут не вспомнить классический дуэт Виктора Гюго: красавца Феба и Квазимодо. У лучезарного «божественного»Феба – мелкая душонка. У искалеченного Квазимодо искренняя, чистая, преданная душа, горе его от потери любимой было так велико, что и после её смерти он не захотел расставаться с ней и предпочёл умереть, сжимая мёртвое тело в своих объятиях.

«Нет повести печальнее на свете, чем повесть о Ромео и Джульетте…» Нет, не прав великий драматург… Безусловно, печальна судьба разлучённых влюблённых, выбравших смерть, а не жизнь без любимого… Но быструю смерть. А смерть Квазимодо была долгой и мучительной от неизбывного горя утраты. Так что повесть об Эсмеральде и Квазимодо и печальнее, и поучительнее… Особенно для женщин.

«Соломенная кукла»

Подошла к книжной полке найти нужную книгу – выпал альбом «Франциско Гойя», раскрывшийся на иллюстрации «Соломенная кукла». Захотелось поделиться впечатлениями.

143

Картина выполнена на картоне, нововведение художника Франсиско Хосе де Гойя-и-Лусьентес . Это один из последних и самых известных картонов Гойи, созданных им для Королевской шпалерной мануфактуры Санта-Барбара

Картоны помогли получить признание художнику, но сам Гойя не любил их, справедливо считая эти картины своеобразными заготовками. Когда шпалеры (настенные ковры, вытканные ручным способом), созданные по картонам были готовы украсить королевские замки, сами оригинальные рисунки становились ненужными.
Большинство этих картонов случайно обнаружили в подвале в 1860-х годах. После реставрации они были подарены музею Прадо (национальный музей, один из крупнейших и значимых музеев европейского изобразительного искусства, расположенный в Мадриде).

На картине изображены четыре молодые женщины, играющие в распространённую в те времена игру. Женщины туго натягивают ткань по ее четырем углам и с её помощью подбрасывают в воздух куклу, одетую в мужской костюм и загримированную под молодого мужчину. По-разному забавные выражения лиц молодых красавиц демонстрируют их уверенность в том, что они могут делать с мужчинами все, что захотят.

В двух предыдущих вариантах картины художник придавал кукле приподнятую голову и более вертикальное положение, как если бы она наслаждалась игрой и полетом в воздухе. Опущенная голова в окончательной версии и кривая поза придают фигуре выражение безысходности и закрепляют мотив насилия женщин над мужчинами.

Но есть и скрытый мотив. Полная жизни картина “Соломенная кукла” при внимательном и вдумчивом рассмотрении превращается в метафорическое произведение. Образы молодых женщин, поражающие своей свежестью и живостью, символизируют недолговечность молодости. Придёт время, и эти полные сил красавицы состарятся и превратятся сами в точно таких же марионеток, которой они играют.

Есть что-то волнующее и настораживающее и в лицах молодых женщин и в самой соломенной кукле. Тут мы имеем дело с типичным “гойевским искажением”, поэтому картину можно считать своеобразным предостережением: « Как вы будете поступать с другими»… Или проще: «Отольются кошке мышкины слёзки».

Тото Кутуньо “призрачно” о себе

В Италии в возрасте 80 лет умер любимый многими в России певец Тото Кутуньо. Он умер в больнице Сан-Раффаэле в Милане после продолжительной болезни. Похороны пройдут в церкви Santi Nereo e Achillео

1 945

Совсем недавно, в июле этого года, Тото Кутуньо отмечал свой юбилей. Ему исполнилось 80 лет, но как и в 30, 40, 50 лет он был импозантен, красив, статен, пылок и талантлив. Про него говорили, что он большой ценитель женщин, вина и музыки. Замечательный набор мужских качеств!

Тото Кутуньо не сразу взошел на музыкальный Олимп в роли исполнителя, поскольку начинал свой творческий путь в качестве композитора. Причем композитора-самоучки. Его песни исполняли Джо Дассен — «Et si tu n’existais pas» («Если б не было тебя»), «Salut» («Привет»); Мирей Матье — «Ciao, bambino, sorry»; Адриано Челентано — «Amore no», «Soli». А знаменитого «Итальянца» («L’italiano») Кутуньо писал именно для Челентано, но тот остался не впечатлен. Так что артист в 1983-м сам решил исполнить хит на фестивале в Сан-Ремо. И прославился на весь мир.

В Россию он был влюблён. «… начиная с 1985 года я очень часто бываю как в Москве, так и в других городах России, а также странах бывшего Советского Союза. Для меня Россия — вторая родина. Я полюбил ее с первого взгляда и по сей день несу в сердце эту любовь» А ещё он признавался, что в будущей жизни обязательно бы женился на русской девушке. Но, думается, это галантный поклон в сторону женщин России (после одного из концертов, а он был в нашей стране в 1985, 2006, 2009 и 2011 годах, он подарил свой поцелуй сорока восьми женщинам кряду)

При этом он часто повторял: «Женщина сердца у меня одна — моя жена». На одном из юбилейных концертов он признавался ей в любви на весь мир: «Карла — великая женщина. Многие хотели быть рядом с известным артистом Тото Кутуньо. А с Сальваторе, у которого когда-то не было ни громкого имени, ни денег, была только жена Карла. Она из богатой семьи, помогла мне купить квартиру, оплачивала мои счета и любила меня. За это я ей очень благодарен. И сегодня наша любовь стала еще сильнее». У них не было собственных детей. В первые годы совместной жизни Карле сделали операцию: она ждала близнецов, но беременность протекала с осложнениями…

А потом в его жизнь ворвалась сумасшедшая страсть к молоденькой бортпроводнице Кристине Ланчи. Два с половиной года 45-летний Тото Кутуньо жил на две семьи.

«Я любил свою жену, но был потрясен Кристиной… Просто потерял голову. Мчался на машине за 1300 км из Сицилии в Рим, чтобы увидеть ее. Когда же откровенно рассказал обо всем жене, это стало для Карлы страшным ударом. Она долго переживала, очень страдала. И ее боль стала для меня самым тяжким испытанием»

Зная, что никогда не оставит жену, Он упросил Кристину родить ему ребенка. Он познал радость отцовства. Кристина родила ему долгожданного сына. Говоря позднее об этом периоде жизни, Тото признавался, что горечи в нем было не меньше, чем радости.

Карла поняла и простила мужа: Нико был частым гостем в доме у отца, в котором наконец-то зазвучал долгожданный, желанный детский смех. О том, что чувствовала Карла на самом деле, она никогда не говорила и Тото был ей благодарен всем сердцем.

Тото Кутуньо помогал сыну как мог, дал ему образование и обеспечил всем, чего не имел в детстве сам.

«Мой сын очень похож на меня. Он старается быть галантным, обходительным. И он знает главный секрет общения с женщинами — их надо любить. Нико любит женщин. Как я…», — говорил он в одном из интервью.

Не знаю про Нико, но Тото не любить невозможно, как невозможно не любить песен этого l’italiano vero.

Худые женщины на творчество не вдохновляют!

Худые женщины на творчество не вдохновляют!/Борис Кустодиев/

108

Частыми героинями кустодиевых работ были русские женщины, в том числе купчихи в разных антуражах. Позировали ему и дворянки с менее пышными формами. Творческая манера художника — “сон о небывалой России”. Гармонию, покой и уют символизируют дородные женщины.

Борис Михайлович писал саму Русь, но время уже не соответствовало образу, худые революционерки пришли на смену дородным женщинам.

“Купчиха за чаем” написана в 1918 году. Кустодиев тяжело болел, денег не было.Жена Юлия Евстафьевна по воскресеньям ходила пилить дрова и ей платили — дровами. Художник писал, что холодно и голодно было в то время.

Многие считают, что русский Тициан вкладывал в полотна переживания о дальнейшей судьбе России, разочарование в итогах революции и крушении традиций.

Кстати, есть мнение, что моделью для его последней работы “Русская Венера” была его 20-летняя дочь Ирина, в отличии от худенькой жены, была русоволоса и пышнотела.

По иронии судьбы за 10 дней до смерти советское правительство выделило деньги и разрешило выехать за границу для лечения. Юлия Евстафьевна умерла от голода во время блокады Ленинграда…

Винсент или Тео?

Однажды всем известные братья Винсент и Тео поменялись шляпами и это привело к тому, что их портреты, написанные в 1887 году, перепутали. Споры не утихают по сей день, так кто из них в фетровой шляпе?

107

Эти две картины долгое время считались автопортретами, на которых Винсент носит две разные шляпы. Однако на выставке 2011 года в Музее Северного Брабанта, что в Нидерландах, искусствовед Шьаар ван Хёгтен предположил что только на одном из портретов изображен Винсент (в соломенной шляпе), а на другом портрете – его брат Тео (в фетровой). Было проведено расследование и музей установил, что человек в фетровой шляпе — это сам художник, а в соломенной — Тео. Споры не утихают по сей день, так кто из них в соломенной шляпе?

Аргументы обе стороны приводят весомые, не только по образу жизни, и известным фактам, что Винсент был известен своей небрежностью в одежде, часто изображал себя в соломенной шляпе, потому что в ней удобно писать на пленэре. А вот его брат, респектабельный торговец произведениями искусства, наверняка носил бы более официальную фетровую шляпу. Нет, в ход шли аргументы на основе физических характеристик лица.

Доказывая, что человек в соломенной шляпе — это Тео, Ван Тилборг опирался на то, что борода у младшего брата была охристого цвета, а не оранжево-красная, как у Винсента, а также аккуратно подстрижена — в отличие от более небрежной у художника. Кроме того, ухо у Тео округлое, как на его фотографиях, в то время как другие автопортреты Винсента свидетельствуют, что него были более мясистые уши.

Но и оппоненты не отставали, указывая на тот факт, что у Тео были светлые серо-голубые глаза, а, судя по автопортретам Винсента, его глаза были зеленоватыми.

Пока искусствоведы не пришли к единому мнению, музей, который явился причиной разногласий, решил реабилитироваться, изменив название полотна:

Автопортрет, или Портрет Тео Ван Гога

Винсент Ван Гог

1887, 19×14 см

Сложность состоит в том, что оба брата были очень похожи, да так, что даже на подростковой фотографии их перепутали – думали что это портрет 13-летнего Винсента, но позже, по семейной переписке выяснилось, что это 15-летний Тео.

Вот и думай теперь, кто же все-таки в соломенной шляпе – Винсент или Тео? А вы как считаете?

Философия и красота китайских иероглифов

Это небольшое эссе я посвятил нескольким китайским письменным знакам для того, чтобы привлечь ваше внимание к красоте союза философии и словесности.

973

Возникшая на территории Китая письменность совершенно не случайно названа идеографическим знаковым письмом. Идеографическое письмо (от греч. idéa — идея, образ и grápho — пишу), это такой тип письма, в котором знаки обозначают не звуки и не слоги, как в звуковом и слоговом письме, а целые слова или же значимые части слов — морфемы. Идеографический характер имела письменность Др. Египта, шумеров, но наиболее интересный посыл мы видим в иероглифике Восточной Азии. Главная сложность в написании – рисовать нужно слева направо и сверху вниз, не отрывая руки. Зато, кто научится легко это делать, может считать себя счастливым, ведь положенный на бумагу символ свяжет пространство и время.

Идеографическая письменность имеет от алфавитной существенное отличие, один знак может состоять из нескольких ключей с индивидуальным лексическим значением. Такие ключи принято называть графемы, опустим симбиоз графики с фонетикой. Более привлекательным является составление из этих кирпичиков простейших историй – собственно они и являются сутью глобального понятия в образе иероглифа.

Есть ключи, которые могут использоваться самостоятельно как слово в виде одного иероглифа или быть в составе двусложного или трехсложного слова, а могут быть составной частью иероглифа. Как например трава艹 в составе слова это растение (с добавлением других графем может быть и чай, и цветок, и овощ) или вода в составе слова может быть и озером и алкоголем. ))

Самый распространенный иероглиф – человек, представляет собой фигуру человека с ногами на ширине плеч 人 или точнее – человека в императорском традиционном одеянии лунпао. Лун+пао “long”- дракон, “pao” – платье, одеяние, упрощенно это халат расшитый драконами, как символ власти и избранности императора. В Китайской национальной культуре все имеет глубочайшее значение, в том числе и одежда – ее цвет, фасон, вышивка, а символы должны были передавать основную идею о единстве трех мировых начал: Неба, Земли и Человека (Император считался сыном неба и являлся частью космологической системы как Ось мира между Небом и Землей. Поэтому земной человек зрелый (ключ большой) расставил руки в стороны 大 . Но над человеком всегда есть что-то высшее, то, что направляет его шаги. Недаром же про талантливого человека говорят что он с небесным даром. Теперь интуитивно становится понятным, почему иероглиф небеса такой 天. Это дает ключ к понимаю того почему Китай – Поднебесная.

Сюда же отнесу и начертание числа 3 (небо-человек-земля)三, нетрудно запомнить будет что 1 это одна черта, а двойка – две черты. Но мы отвлеклись, потому что есть замечательный иероглиф работа: это человек-вертикальная черта между двумя горизонтальными чертами – земля и небо. Стоит ли говорить что этот ключ практически никогда не является самостоятельным, а составляет часть какого-либо действия.

О ключах можно говорить бесконечно, поэтому, прежде чем прерваться, еще несколько слов о нужных нам знаках:

Знак сердце изначально очень похоже изображал этот орган, и хотя в массовом письме потерял некоторые черты , но все равно в классическом начертании остался похожим на сердечное биение 心, он составляет основу многих иероглифов, которые связаны с духовными качествами и внутренним миром человека. Следует уточнить, что в китайской традиции сердце больше относится к уму, нежели к чувству. Так иероглиф мысль 思 состоит из 2х основ «звук» и «сердце», его значение «голос в сердце».

И прежде чем перейти к сложным иероглифам, осталось пояснить начертание знаков талант и друг. Очень интересен иероглиф талант 才, изначально, это человек, трогающий небо возведенными вверх руками или поцелованный небом, к сожалению, современное начертание утратило первоначальную графику, но ее можно увидеть на иллюстрации, имеет значение – получение решения.

Теперь, когда принцип построения понятен, пора перейти к сложным иероглифам, которые содержат несколько графем.

Понятие друг состоит из 2х графем 友: трактуется как рукопожатие иероглиф состоит из двух частей: ナ левая рука и 又 правая рука, эта связь в символе.

Иероглиф Любовь 愛 при написании имеет 13 элементов, состоит из 4 графем, а читается всего двумя фонемами アイ (ай), (интересно, что запрос ай в поисковике перенаправляет на ИИ/ приметы времени) . На основе перечисленных частей, вы можете сами интерпретировать этот символ. Судьбоносный коготь (как тут не вспомнить др.греков и амура со стрелами) вцепляется в сердце, как покрывалом окутывает его и внутри рождается дружба.

Предлагаю дочитавшим самим сделать трактовку иероглифа Любовь в комментариях.

Святой Гвидо и грешный Липпи (учитель Боттичелли)

В мире существует много картин, написанных 2 авторами. Самый известный пример: «Утро в сосновом лесу», кисти друзей И. И. Шишкина и К. А. Савицкого… Предпосылки поможет выяснить биография или

Что делает нас праведными, вот вопрос, на который еще не найден ответ…

***

На илл. представлен фрагмент картины Поклонение волхвов. Фра Беато Анджелико. Тондо. Дерево, темпера. Диаметр: 137,3 см. Целиком тут.
***
В мире существует множество картин, написанных двумя авторами. Самый известный пример – «Утро в сосновом лесу» — картина русских художников И. И. Шишкина и К. А. Савицкого, который написал медведей. Но также есть и такие работы, в которых стиль обоих художников нечетко прослеживается и сложно отличить манеру письма одного художника от другого, будучи несведущим в исторических деталях, и сложно бывает определить авторство в изображении фигур, пейзажа, ландшафта, но стоит только узнать биографию художника – с глаз зрителя спадает пелена и все в персонаже становится говорящим.

Перед вами – тондо “Поклонение волхвов”, год рождения 1460-90 г., хранится в Национальной галерее искусств, Вашингтон, Колумбия, представляет зрителю евангельский сюжет прибытия волхвов на фоне сельского пейзажа. … Этому событию посвящено всего несколько строк в Евангелии от Матфея. Но в пересказах и толкованиях оно обросло невероятными подробностями и стало одним из самых популярных сюжетов в религиозной живописи. Картина восхищает непрерывным композиционным движением, сочностью цвета и балансом деталей-символов. Тондо -деревянная доска, где все элементы композиции – фигуры людей, городской пейзаж, ландшафт – расположены по спирали, подчеркивая форму и вплетая ее в символизм философского сюжета.
Картина интересна тем, что сочетает одухотворенные ангельские образы, написанные безгрешным человеком Гвидо ди Пьетро, причисленного на родине к лику святых, с земными фигурами, за которыми стоит обладатель одной из самых авантюрных биографий среди мастеров раннего Возрождения – Филиппо Липпи.

Проведенная в 1492 году инвентаризация состояния Лоренцо Медичи отметила эту картину как наиболее значимую в коллекции этой могущественной флорентийской семьи и атрибутировала ее как произведение Фра Анджелико. Позднее оказалось, что “Поклонение волхвов” принадлежит кисти двух художников, с абсолютно разным образом жизни.
***
Фра Беато Анджелико (букв. «брат Блаженный Ангельский», собственное имя Гвидо ди Пьетро, имя в постриге Джованни да Фьезоле) (1400 – 1465). Итальянский художник эпохи Раннего Возрождения, доминиканский монах, известен своей набожностью и безгрешным образом жизни, был причислен к лику блаженных и нынче считается небесным покровителем всех художников, день памяти отмечается 18 февраля.

Фра Филиппо Липпи, флорентийский художник и «монах-сластолюбец», учитель Боттичелли, и обладатель одной из самых скандальных репутаций среди мастеров раннего Возрождения, писал в присущей ему манере натурализма, подчеркивая в образах чувственность, любовь к земным радостям, страстность и жизненную достоверность, не делая разницы между библейскими образами и светским портретом. Он, в отличии от брата по краскам, был жизнерадостным, предприимчивым, веселым и падким до вина и женщин, из-за чего попадал в различные передряги, но имея могущественного заступника Козимо Медичи, которого называли Крестным отцом Ренессанса, безболезненно выходил из них. Несомненно гениев бережет судьба, ведь до встречи со своим почитателем и покровителем, избавиться от ярма невольника в Берберии, куда он попал, благодаря арабским пиратам, ему помог талант рисовальщика, которым Липпи был одарен безмерно.

В один прекрасный день Липпи по памяти нарисовал углем на стене фигуру своего хозяина в полный рост. Особенно достоверно он выписал одежды. Поскольку в той культуре существовал запрет на изображение человека, владельцу Липпи раньше не приходилось лицезреть собственных портретов. Он был настолько потрясён, что распорядился отпустить художника. В 1437 году его доставляют в Неаполь, а уже оттуда Липпи возвращается во Флоренцию.

В возрасте 50 лет, он знакомится с 21-летней монахиней Лукрецией, Бути, которую делает своей натурщицей, а когда она влюбляется в него- крадет ее из монастыря, и на след. год у них рождается сын Филиппино (самый талантливый ученик Сандро Боттичелли и даже, как считает ряд исследователей, превзошедший своего учителя). Но родные против такого союза и в религиозном обществе происходит небывалый скандал. Напомним, что Филиппо все еще носит рясу священника. Но снова вступается Медичи, и Понтифик особым указом снимает с Липпи монашеский сан. Вот тут как раз и наступает время написания нашего тондо. После написания, Липпи женился на Лукреции и в законном браке у них родился второй сын-Алессандро. Жену и детей художника мы можем видеть в одной из лучших его работ «Мадонне под вуалью».

С женитьбой и рождением сына, его религиозная живопись становится необыкновенно лиричной и проникновенной, она больше воспевает земную прелесть флорентийской женщины, одухотворяя ее дыханием любви..

С именем Липпи связывают несколько технических новшеств, важных для истории итальянской живописи.

Одним из первых среди мастеров эпохи Возрождения Липпи стал включать в композиции своих картин автопортреты. Его круглое лицо с несколько саркастическим выражением мы можем видеть на фреске «Коронование Марии», находящейся сейчас в галерее Уффици. Причём Липпи фигурирует на картине дважды: один раз в виде простого монаха, подпирающего рукой подбородок, второй – в виде епископа в зеленом облачении.

Почему здесь так подробно описана часть биографии грешника и зачем она привязана к деревянной дощечке с круговым сюжетом, думаю понятно. А для тех, кто только на пути глобальных соответствий предлагаю решить, кому принадлежит Портрет молодого человека (младшему Липпи или Сандро Боттичелли) авторство спорно.

Казимир Малевич Черный квадрат.

Чёрный супрематический квадрат — картина Казимира Малевича, созданная им в 1915 году. Как вы понимаете Черный квадрат? Таким был вопрос на Кью, а далее – приоткроем тайну на прототип из 17 века.

1 639

Известно, что этот самый “Черный квадрат” вовсе не черный и не квадрат – это четырехугольник со сторонами 79.5 см, не имеющий ни одного прямого угла. Кстати, первое название этой картины «Черный супрематический четырехугольник», а вот кто Первый назвал этот четырёхугольник Квадратом было бы очень интересно узнать.

Мне нравится гипотеза, что картина К. Малевича – это попытка интерпретации тоже НЕ квадрата 1617 г. Роберта Фладда “Иллюстрация понятий макро- и микрокосма”. В начале XVII века, Роберт Фладд (Robert Fludd), английский философ-мистик и астролог, изобразил чёрный четырёхугольник для иллюстрации первозданной темноты Вселенной перед появлением мира сего в своём трактате «Utriusque cosmi maioris scilicet et minoris Metaphysica, physica atque technica Historia» (1617 год)

Иллюстрация Фладда имеет философский контекст, в ней можно увидеть идею приобретения устойчивости в динамике несовершенством, во взаимосвязи “Великой цепи от Бога к природе и от природы к человеку”. Взято из: Роберт Фладд, Величайший космос… 1617-1618

Не квадрат К. Малевича нельзя назвать точной копией не квадрата Р. Фладда, но, как во всяком повторе, философских глубин в нем искать не стоит.

Не полным будет ответ, если не рассказать о находках, обнаруженных под верхним слоем. В результате рентгеновского изучения было обнаружено что “квадрат ” был написан двумя черными красками разными по составу, а под ним нашлись разные буквы и фигуры. Но все эти находки никак не ущемляют версию о повторе прототипа Фладда. Если вы не согласны, я со всем вниманием узнаю вашу версию..

Абеляр и Элоиза

Судьба Элоизы и Абеляра не может не потрясать. Но их эпистолярная история остается известной лишь ограниченному кругу ценителей филологической старины.

Абеляр и Элоиза впервые встретились, когда Элоизе исполнилось 14 и она, выпускница монастыря в Аржантейле, поселилась в доме своего дяди, каноника Фульбера. Своей учёностью девушка превосходила всех своих ровесниц. Однако дядя в порыве неуёмного тщеславия решает нанять ей учителя богословия. В свою очередь сорокалетний красавец Абеляр ищет возможности более близкого знакомства с образованной красавицей: “Я завязал знакомство с дядей девушки при содействии некоторых из его друзей. Они предложили ему взять меня к себе в дом нахлебником за цену, которую он сам назначит, ведь дом его находился неподалёку от моей школы… Фульбер любил деньги, то есть был жаден до них. Присовокупите к этому ещё и то, что он страстно желал предоставить своей племяннице возможность дальнейшего совершенствования в изучении наук. Потворствуя двум этим его страстям, я без труда добился его согласия и достиг желаемого”.

События развивались весьма предсказуемо. Как пишет Абеляр: “Сначала мы были объединены проживанием под одной крышей, затем нас соединило сердце”. Страсть была взаимной. Связанный обетом безбрачия богослов и непорочная девушка без рассуждений расстались с невинностью. Элоиза без смущения писала: “Есть ли на всем свете хоть одна королева или принцесса, которая не позавидовала бы тем восторгам, которые я испытывала в постели с ним?” Абеляр же даже во время лекций не в силах был не думать о своей возлюбленной, обрывал недосказанную фразу с мечтательной улыбкой и, как сам впоследствии признавался, часто “повторял на лекциях эхо прежних слов”.

О страстной любви, вскоре догадывается Фульбер. Спасаясь от его гнева Абеляр перевозит Элоизу к своей тетке Дионисии в Бретань. Там, юная беглянка рождает сына – Астролябия. Вернувшись в Париж, уступая настойчивым просьбам дяди Элоиза вступает в брак с Абеляром, обвенчавшись с ним в одной из парижских церквей. По договоренности Абеляра с Фульбером, брак должен был оставаться в тайне для того, чтобы философ мог беспрепятственно продолжать чтение своих лекций в кафедральной школе Парижа. Однако Фульбер, пытаясь восстановить доброе имя Элоизы (и своё собственное), нарушает этот договор. В ответ на такое вероломство, Абеляр вновь увозит Элоизу из дома и временно помещает ее в женский монастырь Аржантейль, где она воспитывалась в детстве. Фульбер вне себя от гнева. Он решает, что Абеляр насильно постриг Элоизу в монахини для того, чтобы она уже никому не досталась кроме него. Рассерженный дядюшка подкупает наемных людей, приказывая им изувечить Абеляра, оскопив его. Потрясенная произошедшим Элоиза добровольно принимает постриг.

Как справлялись они со своей безнадёжной горечью?

Абеляр чисто по-мужски. Как говорит один литературный персонаж: “нервы в кулачок и делай, что должно”.

Каждый с головой ушёл в свои занятия.

Оказавшись в монастыре в положении несправедливо обвинённого и оскорблённого человека, лишённого любимой женщины, Пьер Абеляр не опустил руки. Прожив некоторое время в затворничестве, он возобновил чтение лекций, уступив многочисленным просьбам своих студентов. Ещё более углубился в богословие. Он считал понимание обязательным условием веры – “понимаю, чтобы верить”. Жизнь продолжала наносить удары философу-бунтарю, оставшемуся непобеждённым. Часто, находя противоречия в теологических текстах, Пьер Абеляр давал им собственное толкование, отличающееся от общепринятого. Что, конечно же, навлекало на Абеляра гнев ортодоксов, и однажды он был изгнан из монастыря. Но нашел пристанище в пустынной местности на Сене близ Ножана, где к нему – учителю, ведущему к истине, присоединились сотни учеников. Благодаря им он через некоторое время получил аббатство. Один из монастырей аббатства им был отдан Элоизе с её монахинями. Он оказывал ей помощь в управлении делами и писал ей письма. Где как не в письмах в то далекое время, могли люди высказаться наиболее полно, наиболее искренне? Их переписка – образец духовного родства, любви и откровенности. “Мерой любви является любовь без меры” (Пьер Абеляр)

Абеляр умер в 1142 году. Он завещал свое тело той, кому оно по праву принадлежало, – Элоизе, чтобы она распорядилась им “по собственному усмотрению”. Тело было похоронено в Параклете, и, выполняя волю покойного, аббатиса каждый день молилась об успокоении души своего возлюбленного. На двадцать втором году этих ежедневных молитв (Элоиза, как и Пьер, умерла в 63 года) Абеляр открыл свои объятия, чтобы принять в них супругу. Но, может быть, это только легенда.

На одном из домиков для священнослужителей собора Нотр-Дам-де-Пари до сих пор красуется надпись: “Здесь жили Элоиза с Абеляром. Искренние возлюбленные. Драгоценные образцы для подражания. Год 1118”.

Девочка в маковом венке

Это история благородного поступка русского живописца и графика, больше известного своими великолепными портретами. Какую роль в судьбе художника сыграла спасенная им девочка, изображенная на портрете?

Судьба Кипренского (1782-1836) необычна и содержит много белых пятен: это и тайна рождения (был внебрачным сыном помещика, при рождении был зачислен в семью простых крепостных, но в 1788 году получил вольную), и данное ему имя античного героя (мифологический Орест вынужден был жить и умереть на чужбине), сложный путь совершенствования и самопознания, разочарования, любовь и внезапный уход.. Большинству этот живописец известен как непревзойденный портретист, а самым узнаваемым из его произведений является образ великого русского поэта Александра Сергеевича Пушкина; не менее знамениты портреты Василия Андреевича Жуковского и героя Отечественной войны 1812 года, гусара Е. В.Давыдова; портрет графини Ростопчиной и прочих. Но особым образом выделяется портрет девочки в маковом венке с гвоздикой в руке. Портрет был написан в 1819 году в Риме, куда художник приехал благодаря помощи императрицы Елизаветы Алексеевны, как пенсионер от Академии Художеств. В «Реестре» своих картин Кипренский назвал его «Девочка прекрасного лица в венке маковом с цветочком в руке».

Анна-Мария Фалькуччи — родилась около 1812 года и была дочерью итальянской красавицы-натурщицы, которая позировала Кипренскому для картины «Анакреонова гробница» ( картина утеряна из коллекции Александра Брюллова. Анакреон же — один из девяти лириков Древней Греции, из-за специфического игривого содержания (о земных радостях, чувственной любви, вине и красотках) стихов, его имя стало нарицательным, “разделив славу” с поэтическим стилем).

Вернемся к девочке, Мариучча так ее назвал художник. Видя их стесненные условия, он предложил матери девочки нарисовать ее. Портрет был написан в 1819 году, а спустя некоторое время произошло событие, которое сильно отразилось на всей жизни художника. Маму Анны-Марии нашли убитой и обвинили в этом художника. Снимая с себя подозрения, гонимый римскими обывателями, Кипренский смог позаботится и о Мариучче, пристроив ее в монастырь, а сам, отверженный, вынужден был вернуться в Россию. Живя в России, Кипренский в письмах к своему знакомому, С. И. Гальбергу, постоянно просил сообщать ему о Мариучче, к которой был привязан. Творческих взлетов Петербург не принес. Снова приехав в Италию, Кипренский в 1829 году встретился с Мариуччей, ставшей стройной и милой девушкой. Ей было 17 лет, а мастеру – сорок семь.

Летом 1836 года без огласки они обвенчались, для этого художник даже перешел в католичество. Но счастье их было коротким, через три месяца Кипренский скончался от чахотки, оставив в этом мире беременную жену. Дочь Клотильда никогда не видела отца. Судьба ее и ее матери, которая 6 летней смотрит на нас с портрета Кипренского, неизвестна.

Карл Брюллов и графиня Самойлова

На одном из первых в рунет пространстве сайтов (ныне закрыт ) в теме Искусство у меня была рубрика “Художники и любовь”. Уверенный, что опубликованное вечно, я не сохранял написанное. Итак, шанс №2

6,6

Карл Павлович Брюллов, (при рождении и до 1822 года — Брюлло́, годы жизни 1799-1852), выпускник Академии художеств, был одним из самых одарённых и прославленных художником своего времени. Юлия Павловна Самойлова (в девичестве Пален) русская аристократка, принадлежавшим роду Скавронских, родственников Екатерины I, который прославился колоссальным состоянием, много лет оказывала покровительство художнику.

Встретились они в Италии, куда Самойлова уехала после скандальной истории с мужем, а художник был премирован пенсионной поездкой от Общества поощрения художников. Юлия, по традиции дам из высшего общества, окружила себя людьми искусства и покровительствовала им. Их встреча произошла в Риме в литературном салоне княгини Зинаиды Волконской. Это время вошло в биографию художника как итальянский период. Карлу было 33 года, а графине 29 лет. Между ними возникла глубокая привязанность, этапы которой можно отследить по живописным полотнам художника. Три ее образа запечатлел художник на самой знаменитой своей картине «Последний день Помпеи» (смотрим) женщина с кувшином на голове; мать с дочерьми и женщина, убегающая вместе с мужем.

А вот загадка в картине «Всадница» с фамилией Samoylo на ошейнике собаки, до сих пор не нашла вразумительного объяснения. Имеется версия, что художник сделал это после их небольшой размолвки.

6,6